In Wong Kar-wais Filmlabyrinth bleibt „Days of Being Wild“ das zerbrochene Prisma, das die unheilbaren Wunden im kollektiven Gedächtnis Hongkongs widerspiegelt. Als Maggie Cheungs Figur Su Lizhen auf dem feuchten Boden die Sekunden des Aprils zählte und Leslie Cheung einsam zu seinem Spiegelbild Cha-Cha tanzte, hatte dieses Werk, das von unzähligen Fans als spirituelles Totem angesehen wurde, schon lange nicht mehr nur einfache emotionale Verstrickungen aufzuweisen, sondern war zu einer philosophischen Fabel über das Wesen der Existenz geworden.
Die Metapher vom Vogel ohne Füße: Rolleninterpretation aus der Perspektive des Existentialismus
Xu Zai, gespielt von Leslie Cheung, ist eine der komplexesten Figuren in der Geschichte des Hongkong-Films und seine psychologische Struktur lässt sich anhand von Lacans Spiegeltheorie interpretieren. Der goldumrandete Frisierspiegel im Wohnzimmer der Pflegemutter (der im Film neunmal auftaucht) lässt darauf schließen, dass die Figur für immer im Spiegelstadium einer falschen Selbstidentität gefangen ist. Seine Suche nach seiner leiblichen Mutter stellt tatsächlich einen verzweifelten Hauch der „realen Welt“ dar. Die Szene mit Stacheldraht unter der sengenden Sonne auf den Philippinen ist die visuelle Darstellung der „traumatischen Realität“ in der Psychoanalyse.
Xu Zais selbstgewähltes Exil fällt mit der Identitätsangst der Einwandererstadt Hongkong zusammen. Seine beharrliche Suche nach seiner leiblichen Mutter gleicht der ewigen Befragung der Kolonialisten zu ihrem kulturellen Mutterland. Wong Kar-wai dekonstruiert traditionelle Erzählungen mit Zeitlupe, indem er die Charaktere in einem engen Aufzug und einer Uhr gefangen hält, die niemals stehen bleibt – die Glasfenster, die Su Lizhen wiederholt putzt, der Regen, den Chao Zai niemals wegwischen kann, und Mimis Koteletten, die niemals ordentlich gekämmt werden können, diese sich wiederholenden Handlungen stellen ein absurdes Existenzialistentheater dar. Als Xu Zai auf dem Podium auf den Philippinen sagte: „Ich werde mich immer an das erinnern, woran ich mich erinnern muss“, wurde die Dialektik von Erinnerung und Vergessen zum Damoklesschwert, das über der Kolonie schwebt.
Tony Leungs dreiminütiger Monolog am Ende ist eine von Wong Kar-wai vergrabene Zeitkapsel. Dieser Mann mit seinen sorgfältig manikürten Nägeln sieht sowohl aus wie der wiedergeborene Geist von Ah Xu als auch wie ein spirituelles Omen für Hongkongs Zukunft. Als Tony Leung Chiu-wai die legendäre Haarkämmszene auf dem kleinen Dachboden drehte, schwebte dieser „fußlose Vogel“ auch 28 Jahre später noch am Himmel asiatischer Filme. Sein Schatten wurde in Hirokazu Koreedas „Air Doll“ und Bi Gans „Roadside Picnic“ projiziert und wurde im Zeitalter der Globalisierung zu einem ewigen spirituellen Totem. In der digital restaurierten Version der Blu-ray Disc können wir noch immer Leslie Cheungs spanisches Summen zwischen den Körnern des Films hören, den melancholischen Code einer ganzen Generation.
Der kommerzielle Durchbruch des Autorenfilms
Obwohl der Film in diesem Jahr an den Kinokassen floppte, veranlasste der Kultstatus des Films bei Mitternachtsvorführungen Golden Harvest dazu, seine Strategie zu ändern und Autorenfilme zu unterstützen. Sein einzigartiger Drehmodus ohne Drehbuch (für den gesamten Film wurden tatsächlich nur 23 Seiten Drehbuch verwendet) inspirierte Regisseure wie Stanley Kwan und Fruit Chan. Bei der 2005 im Hong Kong Film Archive restaurierten 4K-Version wurden zufällig im Originalnegativ versteckte philippinische Straßenszenen entdeckt (die damals aus politischen Gründen gelöscht wurden) und so die Metapher der Kolonialgeschichte vervollständigt.
Der Pionier des Milkyway Image-Stils
Sowohl Yu Dazhis „Dark Flower“ als auch Johnnie Tos „PTU“ sind von „Days of Being Wild“ beeinflusst, insbesondere in der entfremdeten Behandlung des städtischen Raums. Die Szene, in der Ah Xu auf den Straßen der Philippinen verfolgt wird, war eine direkte Inspiration für Takeshi Kaneshiros Laufszene in „Chungking Express“. Tony Leungs Auftritt am Ende eröffnete Wong Kar-wais Erzähltradition des „Charakteruniversums“, und diese unvollendete Geschichte fand in „2046“ jahrhunderteübergreifende Resonanz.
Als dieses Werk bei der Oscarverleihung zum dritten Mal den Titel „Bester chinesischer Film“ erhielt, verstanden wir endlich die Metapher des „Vogels ohne Füße“ – es handelt sich nicht nur um das schicksalshafte Totem von Xu Zai, sondern auch um die kollektive Darstellung einer gesamten Ära. In diesen postmodernen emotionalen Ruinen erzählt uns Wong Kar-wai mit poetischer Grausamkeit: Alle Fluchten auf der Suche nach einem Zuhause werden letztendlich im Nebel der Erinnerung ihre Selbsterlösung finden.
Weiterführende Literatur:
